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이탈리아 영화의 정수, 페데리코 펠리니의 평론 에세이

이탈리아 영화의 역사를 논할 때 페데리코 펠리니(Federico Fellini)의 이름을 빼놓을 수는 없다. 그의 1960년 작품 La Dolce Vita (달콤한 인생)은 단순한 영화 이상의 것이었다. 로마를 배경으로 펼쳐지는 이 영화는 당시 이탈리아 사회의 도덕적 해이, 퇴폐적 분위기, 언론의 선정성, 인간 존재의 공허함을 전면에 내세웠으며, 동시에 관객의 마음에 화려한 이미지와 깊은 사유를 남겼다.

영화는 기자 마르첼로 루비니(Marcello Rubini, 마르첼로 마스트로얀니 분)를 중심으로 한다. 그는 연예계와 상류층의 가십을 쫓아다니며 살아가는 인물로, 화려한 로마의 밤과 낮을 넘나들며 숱한 사람들을 만나고, 숱한 파티를 목격하고, 숱한 사랑을 스쳐간다. 하지만 영화가 끝날 때까지 그는 단 한 걸음도 자신의 내면에 다가가지 못한다. 는 그 화려함의 그림자 속에서 인간의 정체성과 구원을 묻는 작품이었다.

1. 영화의 서사 구조와 나선형 시간

La Dolce Vita의 서사는 전통적 의미의 기승전결 구조가 아니다. 7개의 에피소드, 그리고 그 사이의 짧은 장면들로 이루어진 이 영화는 마치 원을 그리듯, 혹은 나선형으로 반복되며 진행된다. 영화의 첫 장면은 예수 상을 헬리콥터로 공중 운반하는 장면이다. 이는 영화의 상징적 장면으로, 종교적 상징이 상품화되고 쇼로 소비되는 세태를 비꼰다. 마지막 장면, 해변가에서 발견된 괴상한 생물체는 인간의 순수함과 의사소통의 단절을 상징한다. 처음과 끝, 두 장면이 서로 반사경처럼 마주하며 영화의 구조를 닫는다.

2. 화려함과 공허함의 공존

영화 속 로마는 매혹적이다. 트레비 분수, 빌라, 클럽, 파티, 성당, 거리의 네온… 그러나 그 화려함 뒤에는 무력감, 환멸, 인간성의 상실이 자리한다. 마르첼로는 아름다운 여인들과 매혹적인 순간들을 마주하지만, 그 순간들은 모두 허상에 불과하다. 그는 “달콤한 인생” 속을 헤엄치지만, 그 인생은 실체 없는 무게로 그를 짓누른다. 펠리니는 그 모순을 시각적으로, 이야기적으로 교묘히 배치한다. 영화의 카메라는 구경꾼처럼, 혹은 언론의 카메라처럼 관찰하지만 결코 개입하지 않는다.

3. 인물과 상징

마르첼로는 꿈꾸는 이상주의자였지만, 영화 속에서는 이미 타협하고 체념한 상태다. 그를 둘러싼 인물들은 마르첼로의 분열된 내면의 파편이다. 아버지는 그에게 유년의 기억과 실패한 가족 관계를 상기시킨다. 마들렌 피셔는 도달할 수 없는 이상이자 환상이다. 스테파니아는 동경과 질투가 섞인 욕망의 대상이다. 그리고 영화 속 반복적으로 등장하는 파파라치(이 단어는 이 영화에서 유래했다)는 사생활과 공공 영역의 경계를 허물며 인간을 ‘구경거리’로 만든다. 각 인물은 상징이자, 이탈리아 사회의 한 단면이다.

4. 로마와 성스러움의 쇠락

펠리니의 로마는 역사와 신화, 신성함의 도시가 아니다. 그곳은 성스러움이 상업화된 무대다. 예수상의 공중 운반 장면, 거짓된 성모 마리아 출현 소동, 무질서한 파티들. 이탈리아 카톨릭의 뿌리를 지닌 로마에서 신성함은 이미 대중문화와 언론의 먹잇감이 된 지 오래다. 펠리니는 이러한 풍경을 신랄하고도 시적으로 포착한다. 는 로마라는 도시의 ‘죽음’에 대한 영화이기도 하다.

5. 영화적 혁신과 영향

이 영화는 서사, 촬영, 미장센, 음악 모두에서 혁신적이었다. 누벨바그와 네오리얼리즘의 영향을 받으면서도, 그 어떤 카테고리에도 속하지 않는 독창성을 보여준다. 거대한 로케이션 촬영, 인물의 군집과 분산, 파티 씬의 카메라 워킹, 음향과 음악의 결합, 그리고 무엇보다 페데리코 펠리니의 ‘서커스적 상상력’이 영화의 곳곳에 녹아있다. 이후 수많은 영화 감독들이 이 작품에 영향을 받았다. 마틴 스콜세지, 파울로 소렌티노, 우디 앨런 등은 직접적으로 에 경의를 표했다.

6. 오늘날의 시선에서 본

개봉 당시 이 영화는 논란과 열광을 동시에 일으켰다. 교황청은 이 영화를 금서로 지정했으며, 보수 언론은 “도덕적 타락의 영화”라 비난했다. 그러나 젊은 세대와 예술가들은 열광했다. 60년이 지난 오늘, 는 그저 당시의 세태를 반영한 영화로 남지 않았다. 그것은 지금도 여전히 유효한 질문을 던진다. “우리는 왜 공허함을 쫓는가?”, “진정한 행복은 무엇인가?”, “예술과 언론, 사회적 책임은 무엇인가?”

디지털 시대, 소셜미디어 시대에 우리는 더 빠르고 더 화려한 정보를 소비한다. 하지만 그 정보들은 우리를 더 비어 있게 만든다. 마르첼로의 모습은, 지금의 우리와 겹쳐 보인다. 펠리니의 경고는 단순한 과거의 목소리가 아니다. 지금도, 그리고 앞으로도 유효할 영화적 예언이다.

7. 결론: “달콤한 인생”인가, “씁쓸한 인생”인가

영화의 마지막, 해변가에서 마르첼로는 어린 시절 알던 소녀 파올라를 마주한다. 그러나 그는 그녀의 목소리를 듣지 못한다. 혹은 들었으나 무시한다. 파올라는 순수함, 구원의 가능성, 잃어버린 가능성의 은유다. 하지만 마르첼로는 그 소리에 응답하지 않는다. 는 관객에게 물음을 남긴다. 우리는 파올라의 목소리를 들을 수 있을까? 아니면, 마르첼로처럼 영원히 화려함의 파티 속에서 길을 잃을 것인가?

이 영화는 화려함을 예찬하지 않는다. 그것을 날카롭게 벗겨내고, 그 안의 공허를 보여준다. 그리고 그 공허를 본 관객이, 자신의 인생에 대해 다시 질문하게 만든다. 그래서 는 시대를 초월한 명작이다.

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